Darkwing

Kenneth Oppel

2007

Il y a 65 millions d'années, la terre a subi un grave cataclysme conduisant à l'extinction des dinosaures mais également à la création de nouvelles espèces. C'est au sein d'un clan de chiroptères que Dusk, une créature pas comme les autres, va venir au monde. Le jeune garçon sait voler et utiliser l'écholocation, ce qui met le doute aux membres de la colonie, surtout lorsque l'un d'entre eux est attaqué par les oiseaux. Peu de temps après, ce sont les félidés qui s'en prennent à la colonie, les obligeant à quitter leur île où ils vivaient reclus depuis des années. Mais le chemin jusqu'à un nouveau paradis est long et semé d'embuches tandis que leur passé leur joue des tours et que des conflits s'organisent entre les anciens.

Une fois de plus, Kenneth Oppel a choisi de revenir sur ses créatures de prédilection que sont les chauves-souris. Mais plutôt que de poursuivre les aventures du jeune Ombre, héros des romans  Silverwing,  Sunwing et Firewing, il préfère revenir bien en arrière, là où tout a commencé pour cette espèce hors du commun. On se retrouve donc à suivre un groupe de chiroptères, des créatures qui ne savent pas voler mais qui possèdent des voiles pour planer. Oppel indique clairement à la fin de son livre que cet espèce a été inventée pour les besoins de l'histoire et qu'elle permet d'introduire une certaine image de l'évolution au moment de la disparition des dinosaures.

C'est ainsi que l'on suit Dusk. Ce jeune chiroptère n'est pas comme les autres, ses voiles sont plus larges et lui servent à voler au même titre que les oiseaux. De même que ses capacités d'écolocation qu'il a hérité de sa mère lui permette de voir dans l'obscurité bien mieux que le jour, alors que les autres n'émettent que des clics pour chasser. De ce fait, Dusk a peur d'être rejeté, et à juste titre puisque la majorité des membres de la colonie le considère comme une créature néfaste, en proie à une maladie et qui aurait certainement été éradiqué s'il n'était pas le fils du chef de la colonie. Le livre aborde de manière assez simple ces prémices du racisme, de rejet de l'autre par sa différence.

Tout le reste du livre traitre en grande partie de l'exode de la colonie et des difficultés à trouver une nouvelle terre promise. La colonie peut rapidement s'établir auprès d'un nouveau clan mais la condition est de renier leur système de pensée, leur religion en quelque sorte, celle qui consistait à ne plus détruire les oeufs de sauriens. Cette pratique avait été établi entre les créatures du monde pour survivre face aux dinosaures prédateurs. Un acte rejeté par la colonie mais qui est très mal vu du reste du monde. On pourrait rapprocher ce thème d'un autre bien connu de notre monde actuel, même si le raccourci paraît facile, mais il n'en est pas moins que dans notre monde très morcelé, il est difficile, voire maintenant impossible, de s'établir dans un lieu sans devoir subir la haine ou la direction d'un autre.

Une fois de plus donc, Kenneth Oppel réussit à nous plonger au coeur du monde animal. L'histoire évolue rapidement avec un bon rythme, pareil à un film de Spielberg au dénouement quasi "jurassic parksien" avec les attaques répétées de ces pauvres créatures. Le livre pose également cette question essentielle : est-il nécessaire de tuer pour survivre ? Est-que la mort d'un individu encore non venu au monde est juste pour la survie d'un groupe ? Autant de questions philosophiques qu'il serait intéressant d'aborder avec de jeunes lecteurs.

Au final, Darkwing mériterait d'avoir une suite, et si tel est le cas, je suis impatient de la lire.

En bonus pour clôturer cette grande saga sur les chauve-souris, une vidéo récente de la découverte d'une colonie dans un toit... Âmes sensibles...

Titanic - Titanic 3D

James Cameron

(1998 / 2012)

Alors qu'il fait des recherches pour retrouver un bijou d'une grande valeur dans l'épave du Titanic, Brock Lovett et son équipe ne découvrent qu'un coffre-fort rempli de paperasses. Pourtant, un détail attire leur attention, celui d'un dessin conservé d'une femme qui porte ce bijou : le Coeur de l'Océan. Cette femme, Rose Dewitt Butaker, approchant la centaine, revient alors sur l'histoire qu'elle a vécu à bord du paquebot insubmersible.

Je me rappelle encore de la déferlante que fut le film lors de sa sortie, et pas seulement en France, où il trône premier du classement avec ses plus de 20 millions d'entrées, mais partout dans le monde, certain(e)s fans aidant (de DiCaprio surtout) en se vantant d'être aller le voir un nombre incalculable de fois. Moi même j'y suis allé 2 fois et je n'ai pas résisté à y aller une 3e fois dans sa version 3D.

Lorsque James Cameron décide de faire revivre le Titanic, il n'y va pas pas quatre chemins. Il prétend même que faire un film pareil était simplement une bonne excuse pour aller voir l'épave du paquebot au fond de l'océan. Pourtant ce n'est pas le premier film qui raconte ce naufrage, un téléfilm bien connu est diffusé assez régulièrement sur nos écrans, mais c'est certainement le plus émouvant et le plus réaliste.

Si l'on devait définir un élément pour James Cameron, ce serait l'eau, le liquide mais comme destructeur. Son premier film, Piranhas 2 (1981) en est un premier exemple, suivront ensuite Abyss (1989) et ses profondeurs féériques mais dangereuses, Terminator 2 : le jugement dernier (1991), où le liquide n'est plus celui de l'eau mais du métal en fusion qui viendront à bout du T-1000 et du T-101, Trues Lies (1994), qui propose une scène explosive dans les toilettes d'un centre commercial qui seront réduites à néant avant de faire s'envoler un motard du toit d'un immeuble à l'autre pour attérir dans une piscine, autant de films et séquences fortes qui annoncent sans le vouloir la réalisation d'un des naufrages les plus célèbres du XXe siècle. Suivront d'autres films sur les fonds marins dont Les Fantômes du Titanic (Ghosts of the Abyss, 2003) où il explore l'épave du paquebot ou encore Sanctum (Alister Grierson, 2011) drame d'épouvante qu'il a produit où des scientifiques se retrouvent prisonniers de grottes inondées. On se souvient de son interview médiatique live pour ce film, réalisé au fond d'un bassin om il répondait aux questions en scaphandre. Récemment il vient également de descendre au plus profond de la fosse des Mariannes. Tout ça pour dire que Cameron et l'eau, c'est une grande histoire d'amour.

Quand à l'histoire du film, elle est bien menée. Des chercheurs fouillent l'épave pour trouver un objet mais ne découvrent qu'un dessin qui montre le portrait d'une des rescapées encore vivante à ce jour. Cette dernière revient évoquer ce voyage terrible à travers 3 flashbacks. Et oui, c'est là l'une des forces de ce récit, ne le raconter qu'en 3 flashbacks très longs, entrecoupés de pauses très courtes. Ainsi on ne se perd pas entre le présent et le passé, l'histoire racontée devient l'histoire principal au point qu'on en oublierait presque qu'il s'agit d'une histoire. Cameron choisit en quelque sorte la formule du conte pour nous raconter ce naufrage, si bien que le spectateur vient voir une histoire qui le plonge rapidement dans une autre histoire et se retrouve donc davantage happé par le récit.

L'histoire de Jack et Rose est certainement l'une des plus grandes histoires d'amour au cinéma, à ranger aux côtés d'Autant en emporte le vent (Gone with the Wind, Victor Flemming, 1950) et bien d'autres. Romance que l'on pourrait qualifier "à l'eau de rose" bien qu'ici ce soit plutôt de l'eau de mer salée, d'autant que Cameron n'y va pas avec le dos de la cuillère, abusant des effets romantiques (ralentis, musiques poignantes, couchés de soleil, mouvement dansant de la caméra, feu d'artifice sur deux personnages se disant adieu du regard pour finalement se retrouver quelques minutes plus tard avec cette simple vérité qui les unie : tu sautes, je saute. Deux destins liés à jamais comme nous aimons en voir, et dans une situation qui font qu'à aucun moment nous n'avons l'impression que leurs sentiments sont gratuits et abusifs.

En effet, Cameron veut aussi montrer la fierté et la prétention des hautes classes de la bourgeoisie, qui se prétendent maîtres du monde. Le paquebot, maints fois surnommé "l'insubmersible" était selon cette même classe le plus grand, le plus beau, le plus luxueux, bref tout ce que l'on peut faire de mieux sur terre, rivalisant par là-même avec ce que Dieu avait pu faire. Aussi, avec le croisement de ces deux personnages que tout opposent : Rose issue de la bourgeoisie et Jack des classes sociales plus pauvres, Cameron parvient à montrer, comme c'est le cas déjà dans de nombreux films, qu'il ne sert à rien d'être riche, et encore moins si c'est une question de survie "votre argent ne vous sauvera pas plus qu'il me sauvera", mais aussi que ces gens, qui prétendent être les plus forts, sont en fait enchaînés à leurs désirs et ne vivent pas la vie comme il se doit "Pour que ce jour compte !" proclame Jack haut et fort face à une tablée qui préférerait le voir se ridiculiser.

C'est cette philosphie de la vie pour les choses les plus naturelles qui font que Rose va tomber amoureuse de lui. La jeune fille ne supporte plus son entourage et encore moins le destin tracé par une mère acâriatre et un futur époux égoiste, chacun d'eux traumatisés par l'image honteuse qu'ils peuvent donner d'eux. Cameron voulait réaliser un film d'amour, c'est réussi, avec un amour véritable que rien ne semble pouvoir séparer.... Et pourtant, ce n'est pas ça qui empêchera Jack de mourir et Rose de faire sa vie sans lui. Il fallait s'y attendre, sans quoi le film n'aurait pas autant d'ampleur, la mort de l'un des deux fait que cette aventure qui amène ses personnages au plus fort de leurs sentiments, n'est pas fait pour la durée, et le spectateur ne peut alors que subir la double tragédie : celle du naufrage et celle de la séparation des êtres qui ont risqué leur vie l'un pour l'autre.

Mais au-delà de cette histoire d'amour, Cameron ne voulait pas que l'on rie de son film et c'est pour cela qu'il l'a minutieusement préparé pour en faire l'une des plus réalistes des représentations sans toutefois en faire un documentaire. En effet, dès le départ, il nous plonge dans l'ambiance avec des images d'archives prises lors du départ en 1912, puis il enchaîne avec des images réelles du paquebot au fond de l'océan. Ce début, qui passe d'une époque à l'autre, semble déjà nous donner le ton : Que s'est-il passé pour arriver des premières images à celles d'aujourd'hui ? Un vide qu'il va falloir combler à travers ce film. La documentation amassée au cours de la préparation permet aussi de crédibiliser le récit de nos personnages et de l'ancrer dans le réel, avec des faits divers : un enfant jouant à la toupie avec son père, une voiture de luxe voyageant dans la soute, des chiens qui viennent faire leur besoin sur le pont des classes pauvres, l'orchestre qui joue jusqu'à la fin, ces personnages qui décident de mourir avec honneur à l'intérieur du paquebot, jusqu'au décor flambant neuf à partir des images d'archives et des restes du paquebot, car si le Titanic est aujourd'hui un bout de ferraille verdâtre rongé par la rouille et les algues, il n'en a pas moins été qu'un paquebot entièrement neuf qui ne connut pas de dégradation de son vivant.

C'est ainsi plus qu'une simple romance que nous offre le réalisateur, il nous propose bien une véritable reconstitution de ce bâteau et des événements qui ont lieu. La caméra se balade dans les couloirs des différents ponts pour nous montrer comment avait pu être la vie à bord, pour quelle classe de population et comment les événements ont pu se dérouler. On pourrait presque dire que si le naufrage est un prétexte à l'histoire d'amour, il serait de bon ton de dire que c'est l'histoire d'amour qui est prétexte à nous faire visiter ce paquebot, de la cabine du commandant à la salle des machines.

Enfin, je voudrais parler des effets visuels qui sont purement et simplement magnifiques. Cameron joue avec des tons opposés : l'air suffocante et rougeoyante de la salle des machines face à une eau bleue glaciale. Le summum semble être donné à la fin du premier flashback, lorsque Jack embrasse Rose pour la première fois sur la proue du Titanic, sur une mer calme et un ciel mêlant des tons dorés de rouge, d'orange et de rose, pareille à une photo de carte postale : les héros réunis face au coucher de soleil paradisiaque, puis d'un long fondu enchaîné, la beauté de ce moment devient la réalité, le ciel s'épaissit pour devenir obscure et froid, et le bâteau s'abîme pour devenir l'épave qu'il est aujourd'hui alors que les protagonistes restent quelques instants de plus à s'embrasser, image d'un instant merveilleux et éphémère que seul l'éternité des eaux profondes gardera en mémoire. Cameron n'abuse pas de ces effets, et chaque fois qu'il en joue, il nous en met plein la vue. Jouant sur un rythme soutenu, il ne cherche pas à perdre nos sens au montage, et c'est tant mieux, car la beauté de ses images mérite qu'on s'y attarde.

Concernant sa version 3D, elle est somptueuse ! James Cameron n'a pas commis les mêmes erreurs que Georges Lucas pour son premier épisode de Star Wars - La Menace Fantôme (2011). Ce dernier semblait avoir renforcé certaines profondeurs de champs par des effets numériques donnant une impression de "pâté visuel" ce que Cameron, décidément maître de la 3D, n'a pas fait. Au contraire, il en joue, renforce la netteté de sa focale principale, si bien que l'on a à faire à un vrai beau film en 3D qui ne tire pas l'oeil. On note quand même quelques défauts, parfois à des moments clés du film. Il m'a semblé que le baiser sur la proue était légèrement flou. Autre détails affiché par la 3D, les séquences tournées en images de synthèse (lorsque la caméra survole l'intégralité du paquebot) renforcent le "défaut" visuel du rendu global, mais il y en a assez peu fort heureusement. D'autres séquences en revanche méritent de s'incliner bien bas tant elles sont splendides, je pense notamment à la fête irlandaise de la 3e classe, lorsque Jack et Rose tournent en rond, l'effet 3D, malgré la vitesse du mouvement, est tout simplement magnifique !

Au final, Titanic est un grand film d'amour comme on en voit peu, et Cameron confirme une fois de plus qu'il est un véritable auteur bien plus qu'un simple réalisateur, qui parvient à nous enchanter de son coup d'oeil à émouvoir nos sens de son style. Vous aimez le cinéma ? Vous aimez la 3D ? Alors n'hésitez pas à revoir ce chef d'oeuvre tant qu'il est encore en salle !

Là-Haut
Pete Docter & Bob Peterson
(2009)

Carl est un vieil homme grincheux qui vit seul dans sa petite maison après la mort de sa femme. Mais pour éviter que celle-ci ne soit rasée, Carl décide de partir avec elle et tous ses souvenirs, parmi lesquels son voeu le plus cher, une promesse faîte à sa femme lorsqu'ils étaient enfants : rejoindre l'Amérique du Sud. Cet ancien vendeur de ballons à l'hélium va devoir ressortir tout son stock pour permettre à sa maison de s'envoler dans les airs pour un voyage qui lui réservera bien des surprises.

Emouvant, touchant et drôle, voilà les 3 mots qui pourraient résumer ce Pixar. Carl, c'est un peu nous-même, c'est un personnage esseulé après une vie qui n'a pas toujours été rose, et qui a préféré se contenter de ses souvenirs plutôt que de les oublier. Mais derrière ce bonhomme grincheux aux traits durs se cache un simple petit garçon, celui que l'on a tous enfoui au fond de nous même pour devenir des adultes matures. Aussi c'est avec beaucoup d'émotion que nous voyons ce vieillard réaliser son plus grand rêve d'enfant, rêve qu'il avait promis à sa femme par un signe de croix, comme on a pu le faire si souvent étant jeune en se disant plus tard que finalement, ce n'était pas si grave que ça si ça ne fonctionnait pas... Mais Carl quand à lui décide de réaliser coûte que coûte ce rêve et d'aller là où nous-mêmes ne sommes jamais allés.

Tout commence par un rêve d'enfant justement, celui d'un spectateur, un jeune garçon passionné d'aventures et qui va se projeter dans la peau de son héros, le célèbre Charles Muntz, pilote et inventeur de génie, rejeté de ses pairs élitistes et renfermés sur les nouvelles découvertes du passé. Mais pour Carl, seul compte la soif d'aventure et de voler haut dans le ciel jusqu'au Chutes du Paradis, là où Charles Muntz est reparti à la conquête d'une créature d'une nouvelle espèce.

Puis très vite, ce jeune garçon devient grand, devient homme. Et le quart d'heure suivant nous invite à voir sa belle vie aux côtés de sa femme, une amie d'enfance avec laquelle il a partagé la même passion. Mari tendre et dévoué, nous découvrons ce couple évoluer comme nul autre. Des joies des premières heures de mariage, de la construction de leur maison, jusqu'à leur envie de bébé, pareil à un rêve paradisiaque que seul le ciel peut exaucer. Mais les événements ne tournent pas comme ils le souhaitent. Ce simple fait, aussi "immoral" soit-il pour une comédie d'animation, est un gage de réalisme et surtout de maturité envers ce genre de film. Finies les histoires sans accrocs, ici place à la réalité des choses (ou presque). Mais comme tout ne doit pas être noir, Carl, super mari aimant, parvient à rendre le sourire à sa femme et en lui rappelant sa promesse de voyage. S'accrocher à ses rêves, voilà le message du film.

Carl, ce vieux bonhomme est fascinant. Lui qui apparaît comme un enfant silencieux, cache en fait un énorme coeur. Malgré son côté anti-héros, nous sommes prêts à le soutenir du début à la fin, que ce soit dans les coups durs que pour les meilleurs moments. Son histoire est fascinante également, lui qui semblait avoir perdu l'illusion, la pousse à l'extrême. Le voir tirer sa maison dans la jungle rappelle que chaque promesse peut être un fardeau, mais cette maison étant l'accumulation de ses souvenirs, d'une vie entière et d'un être cher, alors elle prend un sens tout autre, elle est la matérialisation de cette vie. Carl tire son passé, un passé qu'il ne peut oublier, un passé avec lequel il refuse de faire la paix pour vivre dans le présent, et lorsque Carl découvrira le dernier message de sa femme, alors cette maison, ce passé, ne sera plus pour lui une priorité. Séquence émouvante qui nous transmet un message bien plus important que le premier : ce qui compte, c'est le présent.

Pixar, en plus de nous offrir une comédie d'animation, nous offre également un véritable film d'aventure dépaysant. De même que Wall-E s'inspirait des plus grands films de science-fiction, Là-Haut nous rappellera ces films des années 30 à nos jours, de King Kong au Monde Perdu, avec des références plus ou moins directes. Il nous replonge dans cette époque où les récits considéraient les scientifiques et les aventuriers, souvent imbus d'eux-mêmes, comme des êtres maléfiques. Charles Muntz, c'est un peu le Comte Zaroff et le Docteur Moreau réunis, héros diégétiques craints et admirés, Muntz utilisant des chiens, qu'il est parvenu à faire parler, pour effectuer toutes les tâches du quotidien. Son dirigeable rappellera aussi le sous-marin du Capitaine Némo avec ses couloirs étroits dénué de décoration et son musée de la faune des mondes inconnus qu'il a exploré.

L'affrontement entre Carl et Muntz est intéressant à analyser : à travers ses gags hilarants, notre héros se voit affronter son propre héros. Un héros qu'il n'a plus besoin de devenir, lui-même ayant trouvé sa place dans le monde. Il cherche aussi à sauver un oiseau et ses petits. Ce faisant Carl offre la possibilité qu'il n'a jamais eu, comme s'il prenait sa revanche sur son malheur passé. Mais son affrontement avec Muntz pourrait aussi révéler un aspect fort de la prise de pouvoir des vieilles générations prêtes à tout pour leur popularité. Carl étant hors jeu puisqu'il s'exprime avec son coeur d'enfant, Muntz devient une figure populaire qui cherche à s'imposer par la force plutôt que par le charisme. Bon, c'est pousser l'analyse un peu loin, mais cet affrontement entre un homme et son héros n'est pas anodin, le héros étant celui que l'on doit admirer et non pas combattre...

L'histoire de base entre le petit garçon et le vieux Carl me paraît subitement plus légère. Bien que cela soit aussi l'essentiel du film, je me rends subitement compte qu'en fait, ce n'est pas ce que j'en retiens le plus. Il s'agit d'une balade entre un personnage renfermé et un jeune ouvert, là aussi belle critique des vieilles générations sur les jeunes. Ce duo marque aussi le double sens du récit : les enfants s'identifieront plus facilement à Russell tandis que les adultes se verront plus en Carl. L'aventure est ainsi donnée à chacun, et libre à chacun de choisir à quel personnage s'identifier. Pour Carl, Russell n'est autre que le fils qu'il n'a jamais eu et qui lui permet de revivre ses aventures de jeunesse. Il n'est pas l'élément déclencheur, mais simplement celui qui va compléter les désirs de Carl, telle son ombre, car c'est bien là ce qu'il est, l'ombre de Carl, sa représentation enfantine. D'ailleurs Russel et Carl ne seraient-ils pas une seule et même personne, résurgence de la jeunesse de Carl alors que son rêve devient réalité ?

Mais il ne faut pas oublier que Là-Haut est aussi une véritable comédie. Et alors là c'est du pur bonheur : une heure et demi de gags visuels et auditif, des chutes au combat épique entre 2 vieillards qui se retrouvent bloqués au moment de porter un coup décisif, ou à des voix de personnages auquel on se s'attend absolument pas sur le moment. Là-Haut se rapprocherait même plus du film burlesque façon Chaplin ou Keaton avec ses comiques de situation et cette ingéniosité magnifique, à la fois étrange et amusante, de faire s'envoler cette maison survolant les toits, avec un grand lâcher de ballons par la cheminée, le tout sur une musique d'accompagnement de Michael Giacchino qui rappelle justement ces airs des années 20 accompagnant les films muets.

Au final, Là-Haut nous transporte vraiment loin dans le bonheur et nous laisse sur un petit nuage. Drôle, émouvant et d'une grande qualité, c'est une véritable leçon de cinéma qui nous est parfois donné. L'un des seuls films à nous faire passer des rires aux larmes aux rires aussi rapidement !

Et un petit cadeau bonus : Là-Haut en vrai ! National Geographic et une poignée de scientifiques ont réussi à donner vie au rêve de Carl (et de Pixar) en recréant un modèle réduit de la maison de Carl soulevé dans les airs grâce à quelques centaines de ballons. L'effet est saisissant ! Plus d'infos sur la conception : Maison de Là-Haut en vrai !

D'autres pilotes inspirés tentent quand à eux de tricher un peu, mais avouez que c'est la classe quand même !

Si vous suivi ce blog depuis longtemps, ou si vous l'avez parcouru, vous n'êtes pas sans savoir que je me suis lancé dans une sacré expédition il y a quelques années : celui de parcourir Paris au rythme du métronome.

Ecrit par Lorànt Deutsch, le guide historique invitait à suivre les traces de son auteur tout en remontant l'Histoire de Paris au fil des siècles. D'abord publié en grand format avant de se voir accompagné d'un complément illustré pour permettre à tous les non-parisiens de découvrir les ruines évoquées, ce documentaire sera désormais adapté pour la télévision à travers une série de 4 épisodes de 52 minutes. Le tout sortira bien évidemment dans un DVD qu'il me tarde de posséder !

Pour plus d'infos sur le projet, je vous renvoie vers la page officielle de France 5, chaîne sur laquelle sera diffusé le documentaire.

Target

(This Means War)

McG

2012

FDR et Tuck sont les 2 meilleurs amis et agents secrets lorsqu'ils ne font pas tous sauter autour d'eux. Mais Tuck, déjà divorcé, s'ennuie de sa condition de célibataire. Sur un site de rencontre, il croise Lauren, une jeune testeuse de produits. Mais après leur premier rendez-vous, Lauren tombe sur FDR qui tente de la séduire sans savoir de qui il s'agit. Lorsque les 2 amis découvrent qu'ils sortent avec la même femme, ils décident d'aller chacun jusqu'au bout de leur relation et que le meilleur gagne ! De son côté, Lauren décide de les tester comme ses produits ménagers.

On pouvait s'attendre à passer un bon moment avec cette comédie d'action joué par 2 acteurs assez doués de leur génération : Chris Pine et Tom Hardy. Une duo comique, une situation embarrassante, des ennemis sans pitié, bref tout était là pour plaire. Mais très vite on se rend compte que le scénario manque cruellement de contenu. Les personnages se regardent longuement, comme si le réalisateur voulait bien nous faire comprendre la situation avant de passer à la suite. Du coup, on s'ennuie un peu par moment.

A l'inverse, les scènes d'action sont rythmées à un tel point qu'il est parfois difficile de suivre les fusillades et autres courses-poursuites. D'autant qu'il n'y a en réalité que 3 scènes d'action au début et à la fin. Le fameux ennemi sans pitié qui aurait mérité un développement plus poussé afin de combler les vides est absent de la quasi totalité du film pour réapparaître et mourir simplement à la fin. Bref, autant dire qu'on est loin d'un buddy movie classique comme L'Arme Fatale (Lethal Weapon, Richard Donner, 1987) ou encore d'un Bad Boys (Michael Bay, 1995).

Le plus agaçant peut-être, c'est de voir la sophistication des personnages, entre les "gueules de beaux gosses" aux yeux bleus (car ils ont tous les yeux bleus; c'est impressionnant !!!) et les costumes et environnements très (trop) classes. Tout cela donne l'impression d'être dans une de ces séries télé qui mettent en avant le caractère prestigieux d'une ville ou d'un quartier. Finalement, ce que j'ai préféré hormis les coups vaseux des 2 amis, c'est sans doute la relation entre Tuck, son fils et son ex-femme, même si cela ne déroge pas à la règle en étant bien peu développé.

Au final, Target n'est pas aussi amusant que l'on aurait pu espérer. De la pause de neurone trop rapide et sans volonté faire vivre un moment d'exception au spectateur. Bref, du rire en conserve, rien de plus.

[Rec] 2

Jaume Balageró & Paco Plaza

2009

Alors que la police a condamné un immeuble et ses occupants ravagés par une épidémie mystérieuse, un commando spécial est envoyé au secours des survivants. La petite troupe est dirigée par le Docteur Owen, envoyé par le Ministère de la Santé pour récupérer des échantillons. Une fois à l'intérieur, le commando est confronté au même problème que les protagonistes précédents : la survenue de zombies affamés. De leur côté, un groupe d'ados n'hésite pas à braver l'interdit pour pénétrer dans l'immeuble et s'y retrouver condamné. Seul Owen peut autoriser la sortie, mais ce mystérieux docteur cherche à tout prix la vérité...

Cette suite s'enchaîne directement avec le précédent opus. Cette fois-ci, on emploie les grands moyens : un commando des forces spéciales ! La petite équipe, qui ressemble à s'y méprendre à un commando des S.T.A.R.S. façon Resident Evil 2 (Hideki Kamiya, 1998), donne à penser que les conflits seront vite réglés mais ils ne font guère mieux que les locataires précédents, lesquels sont désormais à leurs trousses.

L'action de [Rec] se terminait dans l'appartement du dernier étage avec sa créature mort-vivante, c'est donc par-là qu'il faut commencer les recherches, mais à notre grand désespoir (en même temps, on s'y attendait) l'appartement est vide. Ce qui laisse le temps aux policiers de chercher des indices et ainsi nous permettre d'en savoir un peu plus sur le mal qui rôde en ces lieux et qui serait lié de près ou de loin au Vatican.

Et puis tout s'enchaîne : l'un des agents est mordu mais se retrouve facilement maîtrisé par des prières latines. Il y aurait donc un moyen de combattre ce qui semble être un virus de la possession. L'intrigue prend alors une autre tournure, on sait désormais quelle est la cause de cette apparition de démons. Le mythe du zombie affamé est alors associé à celui de l'innocent possédé, et bien vite, ces démons se mettent à parler à travers la bouche de leur victime.

On pourrait véritablement parler de renversement de l'intrigue générale, mais sans être inintéressante, je trouve qu'elle ne sert pas le film. [Rec] avait justement ça de bon qu'il laissait des blancs précis que l'on se devait de combler par notre propre imagination, jouant ainsi avec notre frayeur. Donner des réponses n'est pas forcément une bonne solution, surtout lorsque ce ne sont pas celles auxquelles on pourrait se laisser s'attendre.

Tout comme pour le premier, les réalisateurs ont choisi de poursuivre la mise en scène dans l'utilisation de la caméra à la première personne. Mais avec cette fois-ci une originalité : le multi-caméra ! Dès le départ, on nous montre comment le cadreur peut utiliser les images des mini-caméras rattachées au casque des policiers. Un moyen de suivre l'action à distance avec des images de qualité moyenne, ce qui n'est pas sans rappeler le commando de Aliens le Retour (Aliens, James Cameron, 1986). Mais ce système est totalement sous-exploité ! On aurait pu pousser le vice de l'humour noire en collant un casque sur la tête d'un des possédés et de voir où cela nous mène par exemple.

L'autre point fort est l'intrusion d'un second groupe possédant lui aussi un petit camescope, lequel permettra aux réalisateurs de tricher en faisant un flashback jusqu'au moment présent de la rencontre entre les 2 groupes. Mais cela est de courte durée à cause de la batterie. Le film aurait pu s'arrêter là, ce qui aurait été encore plus cruel pour le spectateur, de manquer la fin des événements à cause d'un problème de batterie, mais qui aurait été fort d'un point de vue scénaristique.

Mais c'était sans compter sur le retour de la belle Angela armée de la caméra de son cadreur et qui, pour le coup, a gagné en résolution et en qualité d'image (tout en ayant retrouvé une torche toute neuve !).

Mais de qui se moque-t-on à travers ce film ?

Si ces éléments sont intéressants d'un point de vue de mise en scène, ils perdent toute crédibilité de la part de leur utilisateur, rendant le film totalement incohérent et idiot ! La force de [Rec] résidait dans la curiosité malsaine voulue par les journalistes, ce qui passe d'ailleurs pour une critique acerbe de leur manière de travailler. Mais qui tient la caméra dans ce second volet ? Un membre des forces spéciales qui ne songe même pas à s'en débarrasser pour aider ses compagnons ou même sauver sa peau lorsqu'il est attaqué lui-même ! Quand aux ados, c'est l'erreur qui a fait de Cloverfield (Matt Reeves, 2008) un film sans intérêt en nous mettant dans la peau de personnages qui n'ont aucun charisme pour que l'on souhaite s'identifier à eux, et qui préfèrent, de la même façon, filmer plutôt que de jeter cette pu*?!# de caméra pour courir se cacher le plus loin possible !

Autrement dit, tout dans ce film est prétexte à faire une suite sans intérêt, et avec l'équipe classique de personnages de films d'horreur que l'on avait évité jusqu'à maintenant : ados + soldats + jolie blonde (ok, la jolie blonde était déjà présente, mais elle était peureuse et non prête à sauver le monde, et ses gémissements à la fin du premier n'en faisait pas une si jolie blonde que ça...).

Mais les réalisateurs, qui sont aussi les scénaristes, ont fait fort en rajoutant une nouvelle intrigue. Une fois la caméra infrarouge récupérée, voilà-t'y pas qu'elle sert à voir les démons cachés dans l'obscurité. Un processus que l'on retrouve une fois de plus dans de nombreux jeux vidéo tels que Silent Hill (Keiichiro Toyama, 1999) ou encore Assassin's Creed (Patrice Désilets, Jade Raymond, 2007) avec sa vision de l'aigle qui permet de voir des choses cachées. Dès lors, on peut ouvrir de nouvelles portes secrètes, (se jeter tête la première comme un bleu) se faire happer dans de nouveaux pièges et comprendre d'où venait cette créature maléfique qui m'avait terrorisé dans le précédent film. Le tout se terminant par une chute classique mais que l'on voit pas forcément venir.

Conseiller ou déconseiller [Rec] 2, chacun ses goûts et ses attentes, mais pour ma part, j'ai failli arrêter le film au bout de 30 minutes tellement j'étais agacé par sa mise en scène dérisoire.

Allez, petit bonus histoire de pas se quitter fâchés...